Roberto Mosquera Ameneiro

¿Cuál crees que es la función del arte y de tu obra en concreto?

Pienso que el arte de la creación musical es un estudio permanente de uno mismo y también del espíritu humano, es un estado interior, mental (intelectual), emocional y espiritual; una necesidad donde las fuerzas internas confluyen hacia el objetivo: crear, componer.

Las ideas cuando me surgen me despiertan, me activan y de pronto me veo sumergido en ellas, este proceso está siempre presente, el subconsciente está trabajando continuamente, la memoria está siempre activa, sensaciones del pasado que el subconsciente mantiene y de forma sorpresiva e instantánea surgen es la experiencia acumulada.

Creo en el instinto, en el impulso inicial, la contemplación, la observación, la percepción, la intuición configuran su cauce natural, su expansión en el tiempo.

Siempre he pensado que la música es algo profundo, trascendental con percepciones intelectuales pero también emocionales, sensibles e inmediatas, cuando compongo no pienso en esto pero cuando lo oigo si lo experimento como también pienso que el público pueda experimentar estas sensaciones de una manera subjetiva y libre.

¿Cómo ordenarías de mayor a menor relevancia estos conceptos?

Serenidad. Silencio. Sutileza. Impulsos. Intimismo.

Puedes añadir el que quieras.

En primer lugar el silencio lo considero fundamental para descubrirte, oírte a sí mismo y a la vez comprender el sonido en su plenitud, el silencio ayuda a observar el exterior.

Impulsos, son como los brotes en la naturaleza, los latidos, la corriente del agua, la comprensión de tu pensamiento y la extensión en el tiempo que considero fundamental para la expansión de la idea que va a generar la obra.

Intimismo, dialogo interior, ayuda a encontrar tu verdad en la sonoridad.

Sutileza, es la expresión que se plasma en la partitura, la definición y el proyecto de la idea que queda registrada en el tiempo, buscando el ideal sonoro.

Serenidad, es un estado interior necesario para ir encontrando los caminos adecuados.

¿Qué papel juega el timbre en tu música?

La sensibilidad y belleza tímbrica la considero una expresión muy importante, esencial.

En cada obra procuro que el timbre se ajuste lo máximo posible a lo que quiero expresar, este hecho hace que reflexione y medite mucho el sonido antes de definirlo, considero que el timbre es una extensión de la idea sonora que ilumina y proyecta  el sonido con una mayor amplitud, me inspira espacios sonoros que fluyen en el proceso creativo. El estudio y la observación continuada de cada instrumento en toda su amplitud sonora, me facilitan el conocimiento de espacios novedosos y personales  que perfilan y se ajustan a la idea.

La palabra Música: deriva de la raíz indo-europea: MEN.

MEN: indica los movimientos del espíritu. Principales derivaciones: espíritu, memoria, musa, hombre. (el concepto de la música es entonces un arte pensado, intelectual,  abstracto, inmaterial, un arte del tiempo es decir la importancia del ritmo en la música).

La palabra Ritmo: deriva también de la raíz indo-europea: SREU

SREU: indica el color, un movimiento repetido con variantes siempre nuevas es decir el infinito de la periodicidad irregular.

La música siempre ha estado y se ha relacionado en mi pensamiento desde mi infancia (el sonido de las interferencias en las emisoras de radio, el sonido chirriante e irregular de las puertas, el sonido de las campanas en el exterior, el sonido del reloj, el sonido de la naturaleza......).

Mi primera relación con un instrumento fue con un palo de madera (en mi pensamiento sonaba) era mi infancia, después pasó a ser una flauta-guitarra-mandolina-armónica y finalmente un piano (instrumento que llenó mi espacio sonoro) provocó mi independencia con lo que me rodeaba, mi mundo sonoro se extendió por el teclado, veía su amplitud, no necesitaba nada mas, solo estudiar, profundizar, conocer, analizar.

Llegó la hora del aprendizaje teórico, las clases de piano, armonía, contrapunto y fuga, composición, orquestación, ....... en el Conservatorio Superior de Madrid, en lo que es ahora el Teatro Real, el conocimiento y estudio profundo de la obra de Bach, Mahler, A. Webern, G.Ligeti, P.Boulez, Mozart, Beethoven en este orden y en mucho tiempo han ido conformando mi universo sonoro (hoy sigo utilizando a Mozart como lectura diaria, es como si estuviera a mi lado, un rosetón grandioso que ilumina constantemente).

Las clases se extendieron en Alemania, Francia, España, compositores como F.Donatoni, C.Prieto, L. De Pablo, C. Halffter, P.Boulez, me mostraron y me enseñaron su camino de trabajo continuo. Pero como decía J. Brahms la composición no se enseña es una necesidad interior y se lleva dentro, es tu propio mundo el que tiene que ir manifestándose.

La reflexión continua, la comprensión del tiempo musical uno de los grandes pilares de la creación, es muy importante entender la extensión de la música en el tiempo, el tiempo necesario que necesita para ser comprendido, el análisis continuo de tu propio pensamiento creativo. El proceso creativo es un estado interior, mental y también espiritual donde las fuerzas internas confluyen hacia un objetivo el de crear, componer. Las ideas cuando surgen te despiertan y te ves sumergido plenamente en ellas es la continuación del camino que se inició con tu origen, tus sentimientos, tus hallazgos, tu búsqueda continuada, tu mística.